一幅古画历经千年，跨越无数坎坷，却奇迹般被保留了下来。 作者从历史、艺术、儒学、音乐等角度，**我们重新踏上张择端的人生之路，找寻彼时张择端眼中的东京汴梁，完成一场跨越千年的“隔空对谈”。 作者以独有的导览式讲解，**我们深入画中，吸引读者赏析浑厚大气的长卷风景，解读画卷中的深刻隐喻，娓娓道尽一条河流在历史中的故事，以及画卷背后独特的美学和中华文明史，把*精彩的故事讲给我们听。

**章 美的精神 《清明上河图》的创作年代在北宋徽宗年间。作者张择端是翰林画院的画家，也就是我们通常所说的宫廷画师。 在那个摄影尚未诞生的年代，无论东方还是西方，宫廷画师有很大一部分的职责就是记录宫廷生活——就像日文里将“摄影”称为“写真”那样——用图像语言去书写“真实”的画面。 宫廷画师的题材因此十���有限，很少有表达自我的机会，事实上充当着人肉照相机的角色。 “艺术”在成为我们今天关于“艺术”的定义以前，它的功能性价值要远远超过艺术价值。在西方语境里，我们所说的“艺术史”很大程度上是一种一厢情愿。它们更多的是一部用感官语言所记录的信仰史、人类学活动史、科技史、社会风俗史、服装史、建筑史以及工艺美术史。在这个阶段，“艺术”本身不是研究的主体，而是书写历史的技法。 今天的世界已经全面地进入“文字文明”，然而在此之前，文盲占据了人口中的绝大多数，图像更像是一种向大众讲故事、传播信息以及布道的语法。 就像西方古典的绘画有着十分明显的写实主义倾向，与其说其是“艺术”，不如说其是“**的工匠作品”——当然每个时代也存在不少真正的艺术大师，这里只是一种概述。 这种情况一直到他们被摄影术解放出来，终于能够放飞自己去“画我所感”，描绘个体的精神世界。印象主义、抽象主义、达达主义、立体主义、野兽派……被禁锢上千年的想象力以泉涌之势喷薄而出，标志着“现代艺术”诞生了。 “现代艺术”某种意义上是西方语境下“艺术”诞生的起点，它和之前工匠时代艺术的区别是：前者是用来“欣赏”的，而后者是用来“阅读”的。法国符号学家罗兰·巴特在《明室》里提出了两个概念：“信息点”（studium）与“刺点”（punctum）。一张新闻照片需要包含信息点，它是用来阅读的；而一张被称为大师的作品里却拥有某种刺痛神经、打动心扉的张力，就是所谓的“刺点”，能将人带入画面之外的精神境界。 西班牙语里有一个无法翻译的词语叫“duende”，形容存在于艺术作品之中那种打动人心的神秘力量。也许我们有过这样的体验，当我们与一件伟大的作品相遇，内心会通过一股暖流，身体颤抖，寒毛竖立，涌动一种几乎令人眼眶潮湿的感动。你莫可名状的状态是作品之中什么东西瞬间刺痛了你。 我们今天所定义的用以欣赏的“艺术”，是能够用这种带有“刺点”的情绪能量，将观众从红尘泥泞之中抽离出来抬头仰望星空的。 这种不断升华的参差维度，在“dimension”这个弦理论的术语被广泛应用之前，我们的古人称之为“境界”。王国维的《人间词话》里对“境界”有一段非常生动的描述：“昨夜西风凋碧树，独上高楼，望尽天涯路”，此**境也；“衣带渐宽终不悔，为伊消得人憔悴”，此第二境也；“众里寻他千百度，蓦然回首，那人却在，灯火阑珊处”，此第三境也。这三种境界是他认为成就学问的必经之路，然而境界却是无穷无尽的，一重之上又是一重，正如学无止境。
所以，当西方的艺术史学家从这个视角去欣赏来自古老东方的艺术时，站在范宽的作品前，他们震惊了，发出了“中国古代艺术领先世界一千年”的感叹。原来西方到了十九世纪才开始领悟到的东西，已经一早溶解在东方艺术基因里。 我们的古人，早已放弃了对形式的执着，所谓“色即是空”，他们从“形而下”的世界出走，转头去描述一个“形而上”的维度。“形态”不再是他们的追求，而是寥寥几笔去勾勒一种莫可名状的“神态”——也就是我们称之为“灵魂”的那种抽象存在。肉身易腐，而灵魂不朽，他们仅仅只是将物质的存在当作一种承载精神能量的载体，一种“法身”，因此可以抵达一种破除时间维度的隽永。

目录 001 美的精神 011 踏上旅途 021 人间入世 033 十里路口 041 平民北宋 051 汴河登场 057 文明的证据 065 看不见的江湖 077 危机来袭 083 险象环生 095 高峰体验 107 江湖作别 113 留白时分 123 境随心转 129 汴京市井 141 人生谜题 151 文明的底气 163 汴梁城外 171 看不见的城市 179 众妙之门 187 文明的视角 197 人与城市 207 市井烟火 221 流动的盛宴 229 人间百味 241 士大夫精神 251 画以载道 259 草蛇灰线 265 帝国的黄昏 271 路在何方 279 千古绝唱 283 后记 看不见的《清明上河图》